Tom Hanks : à la recherche de la vérité – Interview pour Capitaine Phillips

Même tiré d’une histoire vraie, il semble que Capitaine Phillips a été écrit pour Tom Hanks. Ce film sur un homme ordinaire jeté dans une situation extraordinaire est du sur-mesure pour lui et donne l’occasion de revenir sur sa vision du métier d’acteur et de son parcours sur le grand écran.

Richard Phillips n’est pas la première personne qui a réellement existé que vous incarnez. Il y a eu Jim Lovell dans Apollo 13, Charlie Wilson dans La Guerre de Charlie Wilson et bientôt Walt Disney dans Saving Mr. Banks. Avez-vous une approche différente de votre travail dans ce cas ? Ressentez-vous une certaine responsabilité ?

Tom Hanks : Oui parce que je recherche une certaine authenticité. Dans Capitaine Phillips, le réalisateur Paul Greengrass et moi voulions découvrir ce qui était vraiment arrivé et nous en avons appris plus que prévu. Pour incarner Rich, je devais trouver des détails à exploiter qui ne sont pas dans le scénario et je l’ai rencontré pour en savoir le plus possible, pour être aussi proche de la vérité que possible. Même si nous condensions les choses et en omettions d’autres, nous voulions atteindre une certaine pureté afin d’inventer le moins possible. Prenez la scène d’ouverture du film. On aurait pu montrer Andrea, la femme de Rich, en train de lui reprocher de toujours partir ou d’aimer la mer plus qu’elle. Sauf que ce n’est pas vrai. Andrea et Rich vivent cette vie depuis des années, c’est normal et il n’y a rien d’unique en ça. Ce qui est unique en revanche est le fait qu’ils ont trouvé la paix à ce sujet. C’est plus intéressant que d’inventer de fausses motivations qui ne feraient ensuite qu’altérer les motivations des autres protagonistes. Je ne veux pas altérer les motivations des personnes que j’incarne, surtout si elles sont encore en vie et que leur histoire est aussi bien documentée. Je ne veux pas inventer des choses pour créer des moments plus mélodramatiques dans un film. Je veux comprendre le fardeau que le personnage porte, tel qu’il est en réalité.

Vous êtes bien malmené dans le film, que ce soit psychologiquement ou physiquement et Paul Greengrass a cette façon de filmer qui fait que les personnages sont toujours en mouvement. Est-ce un de vos rôles les plus physiques ? Plus physique encore que de perdre ou prendre du poids comme pour Philadelphia ou Seul ou monde ?

Ce n’est vraiment pas dur de prendre du poids. (Rires) Cela devient physique dès que vous travaillez dans un environnement réel. J’étais sur une vraie plage en Irlande dans Il faut sauver le soldat Ryan, en pleine mer pour Seul au monde, dans un espace confiné pour Apollo 13… Tous ces tournages demandent un certain effort physique mais c’est aussi la base du travail. Capitaine Phillips n’était pas le tournage le plus éprouvant mais celui où l’environnement était le plus contraignant. On a tourné sur un vrai canot de sauvetage, quasi hermétique si ce n’est pour sa porte et des trous pour faire passer les câbles électriques. C’était un espace minuscule avec plein d’endroits où se cogner la tête et les orteils. Et en effet, à part pour quelques rares scènes tranquilles, on était toujours à 100 à l’heure.

Vous jouez avec quatre acteurs débutants : Barkhad…

(Il récite comme une litanie) Barkhad, Barkhad, Mahat et Faysal. (Sourire)

Cela vous a-t-il rappelé vos propres débuts ?

Jusqu’à un certain point. Le fonctionnement d’un plateau de tournage est facile à comprendre. Il y a des marques, des lumières et tout le monde a une fonction précise. En revanche, il est difficile de dépasser la conscience de soi. Vous jouez devant beaucoup de gens, vous prétendez être quelqu’un d’autre et si vous avez conscience que la caméra est là, que vous vous regardez jouer, que vous vous écoutez jouer, vous n’arrivez alors à rien, vous n’arrivez pas à capturer cette vérité originelle qu’exige une scène. Mais ces quatre acteurs ont fait comme si de rien n’était. Paul a fait en sorte que l’on ne se voit pas avant de tourner la scène de notre première rencontre, après l’abordage, et tout s’est alors fait naturellement. Ce n’est qu’une fois la scène en boîte qu’on a fait connaissance : « Enchanté de vous rencontrer. C’est comment Minneapolis ? J’ai adoré Forrest Gump. Merci beaucoup. C’est un plaisir de travailler avec vous. » Et après ça, ça ne faisait aucune différence d’avoir fait dix films ou aucun. On était tous là pour jouer devant la caméra de M. Greengrass. Une caméra devenue invisible.

Après plus de 30 ans de carrière, vous voyez ce métier toujours de la même façon ?

Oui. C’est une poursuite de l’authenticité, de la vérité d’une pièce, d’un auteur, d’un réalisateur. Trouver la vérité qui existe dans le texte a toujours été la base de ce métier. La manière d’y parvenir est ce qui a changé au cours des années : avoir su dépasser cette conscience de soi dont je vous parlais, avoir compris les lois physiques et artistiques du métier. Avant, je me demandais toujours si j’avais trouvé la vérité du texte. Je n’y parvenais pas au début, soit parce que je n’avais pas la sagesse ou l’entraînement ou la maturité ou tout simplement la foi en moi-même ou dans le texte. Mais de travailler avec les bonnes personnes, d’être toujours mis au défi, d’apprendre quelques leçons… Sur mon premier film réalisé par Ron Howard, Splash, un soir, je suis rentré chez moi sans avoir lu le plan de travail du lendemain. Le lendemain matin, face à la scène que je devais jouer, qui demandait une grande énergie, qui avait beaucoup de dialogue, je me suis retrouvé à la traîne. Une fois la scène en boîte, Ron m’a pris à part et m’a dit : « Tu aurais pu être mieux préparé pour aujourd’hui. Tu nous as fait perdre du temps. » (Rires) Je lui ai dit : « Tu as absolument raison, je suis désolé, je n’ai pas lu… » Maintenant je lis consciencieusement le plan de travail et je fais en sorte d’être plus que préparé pour mes scènes. (Sourire)

Etre dirigé par un ancien acteur comme Ron Howard change-t-il beaucoup de choses ?

Oui car Ron comprend ce qu’est être un acteur. Il s’est montré bienveillant en me prenant à part pour me dire que je n’étais pas assez préparé. D’autres réalisateurs l’auraient crié à travers le plateau. (Sourire) Il sait combien il est difficile de faire abstraction de tout pour incarner un personnage à un moment donné dans un décor donné. Il sait quel défi un acteur relève au quotidien. Franchement, tous les réalisateurs devraient jouer dans un film et tous les acteurs devraient en réaliser un parce qu’alors vous découvrez ces pressions qui sont au-delà de votre contrôle et vous apprenez comment en tant qu’acteur vous pouvez aider le réalisateur et en tant que réalisateur comment vous pouvez aider l’acteur.

Vous vous êtes senti un acteur différent après avoir réalisé votre premier film, That thing you do ! ?

Oui. Déjà j’ai découvert combien les acteurs s’amusaient pendant que moi j’avais encore du travail à faire en tant que réalisateur. (Rires) Mais on en revient toujours au même principe : être sur le plateau à l’heure et non seulement connaître son texte mais en plus avoir une idée de ce qu’on va en faire et ensuite être suffisamment malléable pour donner forme à la scène. J’ai appris ça en réalisant. J’ai appris que c’était génial qu’un acteur arrive à l’heure et avec de bonnes idées. Rien n’a plus de valeur que ça sur un plateau.

Il y a souvent des thèmes très forts en arrière-plan de vos rôles : le sida dans Philadelphia, la Deuxième Guerre mondiale dans Il faut sauver le soldat Ryan, la peine de mort dans La Ligne verte, les conséquences de la mondialisation dans Capitaine Phillips… Est-ce un de vos critères de choix pour accepter un film ?

Ce ne doit pas forcément être un thème profond ou sérieux mais ce doit être avoir un thème que je trouve suffisamment valable pour en faire un film. Je dois être fasciné par le sujet pour accepter un film et savoir ce que j’ai à faire. Vous devez embrasser le projet dans son entier parce que vous allez en parler toute votre vie (rires) parce que le film existe pour toujours et cette réalité est intimidante.

Les acteurs disent souvent qu’ils apprennent sur eux-mêmes avec chaque rôle. C’est votre cas ?

Mon dieu, oui ! Ce n’est pas tant le résultat final du personnage qui a un impact sur vous que le travail que vous faites pour y parvenir. Vous découvrez une inspiration que vous ne pensiez pas avoir, de petites choses spécifiques que vous n’auriez jamais trouvé si vous n’aviez pas fait tel film ni essayiez de rendre tel personnage réel. Quand vous commencez à creuser, vous trouvez toutes sortes de pépites concernant un comportement ou une expérience. Une de ces pépites peut faire de vous un être humain plus rigoureux.

Vous avez la réputation d’être le plus gentil des hommes…

Parce que je ne me comporte pas comme un salopard avec la presse. (Sourire)

… Mais j’ai du mal à croire que quelqu’un de gentil puisse réussir à Hollywood.

(Il se redresse) Oh, mais j’ai autant l’esprit de compétition que les autres. Je suis prêt à aller très loin pour obtenir un rôle. Il y en a qui choisissent ce métier parce que, pour être franc, ils sont dérangés psychologiquement. (Rires) Et ils sont doués pour ça. D’autres le font pour le pouvoir, l’argent ou la célébrité qui va avec, mais ça ne dure qu’un temps. Moi, je fais ça parce que je suis fasciné par la possibilité de jouer quelqu’un d’autre. Je n’imagine rien de plus amusant. Et parce que c’est cool de côtoyer des gens intelligents. Mais n’abusez pas de ma gentillesse. (Il prend un air malicieux) J’ai un bon fond mais il ne faut pas trop en profiter. Le châtiment peut être rapide et sans pitié. A l’occasion, j’ai déjà infligé des châtiments rapides et sans pitié…

Article paru dans Studio Ciné Live – N°54 – Novembre 2013

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